C6 Fest 2026 consolida curadoria elegante com Robert Plant, The xx e ícones do Jazz

 

Branford Marsalis - Foto: Mark Sheldon (Extraida do site da Downbeat)

Entre os dias 21 e 24 de maio de 2026, São Paulo se transforma mais uma vez no epicentro da vanguarda musical global com a realização da quarta edição do C6 Fest. Ocupando os gramados e as estruturas do Parque Ibirapuera — incluindo a Tenda MetLife, a Arena Heineken, o Pacubra e o prestigiado Auditório Ibirapuera —, o evento traz ao Brasil um elenco de 28 atrações vindas de quatro continentes. 

O festival reafirma seu compromisso de costurar, em uma mesma lona, o peso histórico de lendas vivas, o frescor do pop alternativo e a sofisticação da improvisação instrumental contemporânea.

Fruto da parceria entre o C6 Bank e a Dueto Produções — produtora de herança inestimável, responsável por desenhar o Free Jazz Festival nas décadas de 1980 e 1990 —, o C6 Fest nasceu em 2023 com a missão de resgatar o espírito dos antigos festivais de nicho, focados na experiência e no ecletismo refinado. 

Em suas edições anteriores, o palco paulistano testemunhou momentos históricos, que variaram do experimentalismo eletrônico do Kraftwerk e do pop orquestral de Jon Batiste em 2023, passando pelo neo-soul catártico do Black Pumas e o lirismo de Cat Power em 2024, até chegar à celebração dançante de Nile Rodgers & Chic e o pós-punk do The Pretenders em 2025. 

Em 2026, o festival dá um passo além em sua maturidade conceitual, inaugurando o palco C6 Lab, espaço inteiramente dedicado a novas sonoridades e apostas experimentais da cena mundial.

Brandee Younger - Foto: Erin O'Brien

Quinta-feira, 21 de maio – Jazz no Auditório Ibirapuera

O festival abre suas portas no Auditório Ibirapuera a partir das 19h, dedicando sua primeira noite à profundidade do jazz instrumental contemporâneo e transfronteiriço.

20h00 – 21h05 | Anouar Brahem Quartet: O mestre tunisiano do oud (o alaúde árabe) apresenta o aclamado concerto After The Last Sky. Conhecido por fundir a tradição musical árabe ao jazz ocidental, Brahem sobe ao palco amparado por um quarteto de gigantes: o contrabaixista britânico Dave Holland, o pianista Django Bates e a violoncelista alemã Anja Lechner.

21h35 – 22h25 | Julius Rodriguez: Jovem prodígio do piano e multi-instrumentista do Brooklyn, Rodriguez personifica a nova era do jazz. Apelidado de "Orange Julius", o músico costura com fluidez as fronteiras do hard bop com o R&B, o hip-hop e o gospel, trazendo uma energia vibrante e urbana ao festival.

22h45 – 00h00 | Branford Marsalis Quartet: Um dos saxofonistas mais reverenciados da história do jazz moderno, o norte-americano Branford Marsalis lidera seu refinado e longevo quarteto. Dono de uma técnica irretocável que transita entre o clássico e o avant-garde, o músico traz a São Paulo a sofisticação do jazz acústico em sua máxima expressão de improvisação e diálogo coletivo.

Sexta-feira, 22 de maio – Jazz e Fronteiras Musicais no Auditório Ibirapuera

Na segunda noite, os portões abrem às 19h para celebrar a expansão do jazz em direção à world music, à vanguarda brasileira e ao pop eletrônico.

20h00 – 21h00 | Brandee Younger: Harpista norte-americana indicada ao Grammy, Younger tem sido a principal responsável por revolucionar o papel de seu instrumento na música contemporânea. Mesclando o jazz espiritual de Alice Coltrane com pulsações modernas de hip-hop e soul, ela entrega uma sonoridade hipnótica e profundamente melódica.

22h30 | Hermeto Pascoal Big Band: O "Bruxo" da música universal, patrimônio vivo da cultura brasileira, comanda sua enérgica Big Band. Hermeto Pascoal desafia os limites da composição rearranjando sua vasta e imprevisível obra com metais robustos, ritmos nordestinos e aquela liberdade harmônica genial que o tornou cultuado no mundo inteiro.

22h50 – 23h50 | Knower: Duo norte-americano de pop-jazz eletrônico formado pelo baterista Louis Cole e pela vocalista Genevieve Artadi. Conhecidos por apresentações hiperenergéticas e vídeos virais, eles misturam linhas de baixo colossais, harmonias de jazz complexas e texturas eletrônicas pesadas com muito humor e virtuosismo.

Sábado, 23 de maio

Alternativo, Rock e Eletrônica no Ibirapuera

O sábado marca a expansão do festival para as grandes arenas montadas no parque. Os portões se abrem às 13h para uma maratona de música alternativa que se estende até a madrugada.

Arena Heineken

15h40 – 16h40 | Amaarae: Cantora e compositora americano-ghanesa, Amaarae é um dos nomes mais incensados do afropop e do R&B alternativo atual. Com sua voz sussurrada marcante e produções que misturam dancehall, trap e música tradicional da África Ocidental, ela traz um ambiente pop global e sensual para o palco principal.

17h20 – 18h20 | Mano Brown part. Rincon Sapiência: Substituindo o cantor americano Dijon (que cancelou por motivos pessoais), a lenda do rap nacional Mano Brown apresenta um show focado nas texturas dançantes e românticas de seu celebrado álbum solo Boogie Naipe. O show passeia pelo funk, soul e disco, contando ainda com a rima certeira e elegante de Rincon Sapiência e clássicos históricos de sua trajetória.

18h50 – 20h00 | BaianaSystem part. Makaveli e Kadilida: O combo baiano traz seu tradicional paredão sonoro de sound system e guitarra baiana ao Ibirapuera. Para esta catarse rítmica, o grupo convida o rapper cearense Makaveli e a cantora Kadilida, aprofundando o diálogo entre as batidas periféricas e a urgência das ruas.

20h45 – 21h55 | The xx: O trio britânico indie pop faz seu aguardado retorno ao Brasil. Conhecidos pela estética minimalista, guitarras ecoantes e vocais sussurrados divididos entre Romy Madley Croft e Oliver Sim, amparados pelas batidas eletrônicas precisas de Jamie xx, eles encerram a arena com sua atmosfera melancólica e cinematográfica.

Tenda MetLife

14h40 – 15h40 | Horsegirl: Trio de jovens de Chicago que vem revitalizando o rock alternativo e o noise pop de garagem. Com influências diretas do lo-fi dos anos 1990 e de bandas como Sonic Youth, o grupo entrega guitarras barulhentas e melodias indie cativantes.

16h40 – 17h40 | Baxter Dury: O cantor e compositor britânico, filho da lenda punk Ian Dury, traz seu carisma singular de "crooner sarcástico". Com seu spoken-word peculiar sobre bases de indie pop e funk minimalista, Dury canta crônicas afiadas sobre a vida noturna e as excentricidades de Londres.

18h10 – 19h10 | Wolf Alice: Liderada pela magnética Ellie Rowsell, a banda britânica de rock alternativo transita sem esforço entre o shoegaze, o grunge pesado e o pop etéreo. Vencedores do cobiçado Mercury Prize, trazem ao festival um show vigoroso e cheio de texturas.

19h40 – 20h45 | Matt Berninger: O icônico e barítono vocalista da banda The National apresenta-se em seu projeto solo. Com interpretações densas e teatrais, Berninger traz baladas confessionais embaladas por arranjos folk e indie rock, destilando melancolia e composições líricas profundas.

Pacubra & C6 Lab

20h45 – 23h00 | Aline Rocha: DJ e produtora brasileira em franca ascensão internacional, conhecida por sets elegantes que passeiam pelo deep house, soulful e clássicos da house music.

23h00 – 03h00 | Marten Lou: O DJ e produtor parisiense traz sua assinatura de melodic house para a madrugada paulistana, arrastando pistas com seus remixes sofisticados de texturas profundas.

23h00 – 00h00 (C6 Lab) | Mabe Fratti: A violoncelista e compositora experimental guatemalteca (radicada no México) apresenta sua fusão de arranjos barrocos de violoncelo com sintetizadores e vocais etéreos, criando uma atmosfera vanguardista hipnotizante.

Domingo, 24 de maio – Pop alternativo, indie e clássicos do rock

O encerramento do festival mantém os portões abertos a partir das 13h, equilibrando o pop alternativo mais refinado com a presença histórica da realeza do rock mundial.

Robert Plant

Arena Heineken

15h30 – 16h30 | Magdalena Bay: Duo de synthpop de Los Angeles formado por Mica Tenenbaum e Matthew Lewin. Unindo uma estética visual inspirada no início da internet a um pop eletrônico cirúrgico, recheado de camadas de sintetizadores e ganchos viciantes, eles abrem a arena principal em tom futurista.

17h00 – 18h00 | Os Paralamas do Sucesso part. Nação Zumbi: Um encontro histórico do rock nacional. O power trio canônico do pop-rock e do ska brasileiro convida os herdeiros do manguebeat da Nação Zumbi. Juntos, prometem uma parede percussiva e de guitarras celebrando clássicos que moldaram a música brasileira moderna.

18h30 – 19h45 | Beirut: O projeto do multi-instrumentista Zach Condon retorna ao Brasil com seu aclamado e nostálgico "indie folk do mundo". Misturando elementos da música folclórica do Leste Europeu, acordeões, ukuleles e metais com o pop alternativo, a banda cria paisagens sonoras poéticas e bucólicas.

20h30 – 22h00 | Robert Plant's Saving Grace feat. Suzi Dian: A lendária voz do Led Zeppelin encerra o palco principal com seu mais recente e íntimo projeto. Ao lado da vocalista Suzi Dian e da banda Saving Grace, Robert Plant mergulha em suas profundas paixões pelas raízes do folk britânico, pelo blues de garagem americano e pela música mística oriental, entregando uma apresentação mística, acústica e de extrema sensibilidade.

Tenda MetLife

15h00 – 15h50 | Samuel de Saboia: O artista visual e pesquisador brasileiro apresenta um set performático, conectando pesquisas sonoras que dialogam com ancestralidade, batidas afro e texturas urbanas contemporâneas.

16h30 – 17h30 | Benjamin Clementine: Cantor, pianista e poeta britânico, vencedor do Mercury Prize. Dono de uma voz operística dramática e arrebatadora, as apresentações de Clementine ao piano são experiências quase teatrais, marcadas por um expressionismo cru que flerta com a chanson francesa e o avant-garde.

18h00 – 19h00 | Oklou: Produtora e cantora francesa que se tornou referência no movimento do hyperpop e do R&B ambiente. Suas produções trazem vocais carregados de auto-tune sob bases minimalistas e melancólicas de sintetizadores, desenhando paisagens digitais introspectivas.

19h20 – 20h30 | Lykke Li: A cantora e compositora sueca encerra a Tenda MetLife trazendo seu pop alternativo melancólico e sensual. Com sucessos mundiais na bagagem, ela apresenta canções que equilibram batidas eletrônicas soturnas com vulnerabilidade acústica e vocais marcantes.

Pacubra & C6 Lab

20h00 – 21h30 | Jude Paulla: A DJ brasileira traz sua pesquisa focada em ritmos tropicais, música brasileira de pista e black music, injetando descontração e ginga na reta final do evento.

21h30 – 23h30 | DJ Nyack B2B Pathy Dejesus B2B Eduardo Brechó: Um encontro de peso da discotecagem nacional. Unindo o consagrado DJ Nyack (conhecido por seu trabalho com Emicida), a versatilidade de Pathy Dejesus e a bagagem de Eduardo Brechó (líder do Aláfia), o trio comanda uma sessão de encerramento focada no hip-hop, r&b, soul e grooves brasileiros.

23h00 – 00h00 (C6 Lab) | Cameron Winter: O vocalista e principal compositor da cultuada banda de indie rock novaiorquina Geese encerra os trabalhos do palco experimental. Em sua apresentação solo, Winter expõe suas composições em formato cru, passeando pelo art-punk e pelo folk torto com sua habitual entrega vocal excêntrica.

Mike Del Ferro, entre o rigor de Chopin ao balanço de Jobim

 

Texto: Eugênio Martins Jr

Fotos: Divulgação Mike Del Ferro

Mike Del Ferro carrega um DNA artístico singular: É filho de cantor de ópera que dividiu estúdios com Maria Callas. E   cresceu sob a égide do rigor clássico de Chopin e Beethoven, mas encontrou sua voz no improviso ao descobrir o jazz de Oscar Peterson. 

Pode-se dizer que essa dualidade permeia toda a sua obra, equilibrando a música erudita europeia à música do mundo, África, Ásia e Oriente Médio, incluindo o balanço das músicas latina e brasileira.   

Sua relação com o Brasil foge do encantamento superficial do turista. Na nossa conversa, Del Ferro mostrou-se um observador atento, reconhecendo os desafios da sobrevivência do artista no país, mas que, ao mesmo tempo, deixando-se seduzir pela profundidade melódica dos nossos compositores, enaltece os nomes de Milton Nascimento e Tom Jobim. 

Essa conexão se materializou em parcerias com Oscar Castro Neves, Badi Assad e Fernanda Porto, além de uma fraternidade musical duradoura com o baterista Márcio Bahia. 

A ponte aérea Amsterdam/São Paulo lhe serve duas vezes por ano, ocasiões as quais aproveita para tocar e trocar com os músicos brasileiros de todos os estilos.

Dentro da diversidade do seu catálogo encontra-se Sintonia, no qual a sua ligação com o Brasil se torna mais profunda. 

Além da compreensão real das harmonias brasileiras, Mike entende o nosso balanço, transformando o piano em uma extensão dessa linguagem.  

A cantora holandesa Femke Smit faz o contraponto vocal a esse refinamento. Sua interpretação é marcada por uma dicção cuidadosa e uma sensibilidade que respeita a tradição da bossa nova e da MPB. Fruto de suas inúmeras viagens de “estudos culturais” ao Rio de Janeiro. 

Ao dividir o protagonismo com o piano, Smit adiciona uma camada de suavidade e elegância às melodias, consolidando o disco como um verdadeiro encontro cultural entre o jeitão europeu e o jeitinho brasileiro.

Eugênio Martins Júnior – Como foi a tua infância musical?

Mike Del Ferro – Foi cheia de música. Nasci em Amsterdam e meu pai foi um cantor de ópera que atuou com Maria Callas em algumas gravações. Então, cresci ouvindo ópera e música clássica. Mas sempre fui muito interessado em piano e meu pai me acompanhava nos estudos. Comecei a tocar, improvisando um pouco e depois estudei seriamente a música clássica. Mas sempre sentia falta de alguma coisa. Veja, adoro a música clássica e tenho muitos projetos, mas sempre senti a falta da liberdade. E quando descobri o jazz e a música latina, com o ritmo, harmonia, improvisação vi que era aquilo que eu queria fazer. Me tornei um aficionado pelo jazz e pela música latina. Não só a música brasileira, mas a música cubana também. E claro, o jazz.

EM – Quantos anos você tinha quando percebeu isso? Já era profissional?

MDF – Tinha uns quinze anos e já tocava Chopin, Beethoven e Mozart, mas meu pai era um cara de mente aberta e quando Oscar Peterson fez um concerto em Amsterdam ele me levou eu pensei: “Ohhhhh”. Foi como um vírus, entende?   

EM – Como é a cena de jazz de Amsterdam atualmente?

MDF – Tem músicos muito bons. E possui um fantástico conservatório internacional que recebe músicos do mundo inteiro, entre Brasil e Coréia. O nível é realmente muito alto, mas o problema é que não há muitos lugares para tocar, porque apesar de Amsterdam ser uma cidade cosmopolitana, oficialmente com um milhão de pessoas, não é tão grande como São Paulo ou Rio. Eu toco oitenta por cento fora da Holanda. Na Europa, América do Sul, muito no Brasil, China, Itália, muitos lugares. 

EM - Você tocou e gravou com Oscar Castro Neves, Badi Assad e Fernanda Porto, como foi isso? Gostaria que falasse sobre a sua relação com a música brasileira.

MDF – Minha íntima relação com a música brasileira se deu através do meu amigo Márcio Bahia. Somos como irmãos. Estive no Brasil tantas vezes e conheci pessoas fantásticas. Também conheci o Gabriel Grossi, que para mim é tão criativo quanto Toots Thielemans, com quem toquei por muitos anos. No Rio Grande do Sul conheci um baterista fantástico chamado Ricardo Arnold. Amanhã me encontrarei com o André Mehmari e quem sabe aconteça um piano duo. Amo esse país, mas acho um país desafiador. Sei que muitos músicos superam dificuldades para sobreviver. Não sou daqueles que ficam romantizando. Amo vir para cá, mas como estrangeiro tenho uma visão realista sobre as dificuldades. Para os músicos e pessoas ligadas às artes é um grande país, mas com muitos desafios.

EM - Você disse que iria encontrar com o André Mehmari. Ele também é um músico que transita entre o jazz e a música erudita. Gostaria que explicasse isso, como é andar nessa linha divisória?

MDF – É a combinação entre curiosidade e respeito pela música clássica que está aí por muitos séculos. Vamos voltar à ópera. Temos grandes óperas de Puccini, mas acho que elas podem ser apresentadas de outras formas. Especialmente suas árias, um material incrível que permite fazermos outras harmonizações. Essa é a minha curiosidade por todos os tipos de música. Pegar os ingredientes e colocá-los juntos para criar uma coisa nova, mas sempre respeitando o original. 

EM – É possível fundir o balanço do samba jazz com a rigidez da música clássica europeia?

MDF – Acho que essa é uma das principais razões para eu ter me conectado tão bem com o Brasil. Adoro tocar música secular (acho que ele está falando do choro), samba e outros ritmos, mas ao mesmo tempo trago a beleza do meu país, minha herança cultural para junto apresentá-la. Toco a música lenta como a de Tom Jobim e as pessoas gostam porque não toco muitas notas e insiro outros elementos.

Mike Del Ferro e Femke Smit

EM - Você gravou um disco de músicas brasileiras com a cantora Femke Smit que se chama Sintonia, que é um termo muito bacana. O que representa nesse contexto? A sintonia entre ambos ou com a música brasileira?

MDF – Temos em comum que nossos pais foram ambos cantores de ópera. Então Femke já carrega essa influência. E ela é uma apaixonada pela música brasileira. Viveu aqui por algum tempo. Seu português é fantástico. Ela conhece muitas cantoras brasileiras de MPB. Quando estive com Femke no Rio de Janeiro ela me levou aos lugares do samba, como aquele famoso, o Samba do Trabalhador. E interessante que os sambistas a conheciam e a chamavam para cantar. Ela conhece muitos sambas tradicionais, conhece o Paulinho da Viola e todas as suas músicas. É uma grande coisa para quem cresceu em Amsterdam e essa é a sintonia, o amor pela música brasileira. Nós amamos canções que não são tão famosas fora do Brasil, sei que isso também é relativo, estou falando de Encontros e Despedidas ou Beatriz, por exemplo, que são incrivelmente bonitas.      

EM – Nós brasileiros ouvimos música do mundo inteiro, especialmente o jazz norte-americano. Mas atualmente esse movimento se inverteu e a música brasileira, inclusive a música instrumental, o nosso jazz, está sendo muito exportada. Você consegue ver esse movimento?

MDF – Acho fantástico. Porque esse país é um planeta musical. Se você pegar Tom Jobim que escreveu inúmeras canções incríveis como Garota de Ipanema, One Note Samba, How Insensitive, que muitos fora do Brasil conhecem e usar o exemplo do Filó Machado, um artista incrível, que viveu em Paris um curto período, mas que as pessoas na Europa não conhecem. Veja, ainda há muito o que ser descoberto. O advento da internet proporcionou acesso às pessoas a música de todo o mundo. 

EM - O que é o programa American Voices?

MDF – É uma organização cultural. Trabalhei com eles por 15 anos como embaixador. Rodei o mundo apresentando jazz tradicional. A filosofia era criar pontes musicais entre os países. Visitei o Afeganistão, Cazaquistão, Mauritânia, onde há uma música inacreditável. Tocava com músicos tradicionais. Minha curiosidade não se limitou ao jazz e se expandiu para a world music da África e Ásia. Estive na Sibéria, Mongólia e parte da Rússia. A filosofia de American Voices é conectar os músicos. Uma potente forma de comunicação.

EM – E ao mesmo tempo conectando as pessoas de diversas culturas.

MDF – Sim. Estive no Afeganistão duas vezes em 2005. Ensaiei com alguns músicos, mas também conheci o fantástico público local. Os músicos me convidavam para conhecer suas casas e cozinhavam para nós. Essa parte do mundo recebe tanta propaganda negativa, mas a música nos unia. Não ligávamos para a política, religião ou cor da pele.

EM – Sim. Geralmente as pessoas são boas, mas os governantes é que fodem tudo. Eles dividem os povos para continuar governando.

MDF – Sim, é verdade, eles fodem com tudo. Conheço grandes músicos palestinos e judeus que colaboram entre si. 

EM – Acho que a música acaba tornando o mundo um lugar pequeno, onde todas as conexões são possíveis e aceitáveis.

MDF – Concordo cem por cento com você. As pessoas rotulam de fusion ou crossover e eu acho uma besteira. São apenas terminologias erradas. 

EM – Após essa recente turnê, quais são os próximos planos para o Brasil?

MDF – Venho duas vezes por ano ao Brasil. Mais ou menos a cada seis meses. Desta vez toquei em Porto Alegre, São Pedro, amanhã em São Paulo com Victor Cabral e Thiago Alves, músicos fantásticos. Provavelmente volto em outubro e novembro para fazer Sescs. Em janeiro de 2027 volto ao sul do Brasil, em Pelotas e depois cruzo a fronteira para o Uruguai. Sempre que tiver chance virei ao Brasil. O aeroporto de Amsterdam tem dois voos diários de apenas onze horas para o Brasil, um para o Rio e outro para São Paulo.

Marco Bosco, 70 anos: Uma odisseia percussiva de Torrinha para o mundo

 

Marco Bosco e sua parafernália

Texto e fotos: Eugênio Martins Júnior

Marco Bosco rodou o mundo com a música. A música do Marco Bosco rodou o mundo. E cada pedaço do mundo mora na música de Marco Bosco. Ouvi-la, é presenciar um fenômeno, no qual as fronteiras geográficas simplesmente não fazem sentido. 

Com seu cúmplice, o tecladista Paulo Calasans, Bosco opera uma central que une sintetizadores a equipamentos rústicos de percussão, criando artérias sonoras que ligam o pulsar do Japão ao coração da África, passando pela ancestralidade da China e os sons vivos da floresta amazônica.

Essa fusão, no entanto, não é fruto do acaso, mas da natureza intrínseca da percussão brasileira, uma linguagem com portas sempre abertas.

No tabuleiro da música do mundo - world music - o Brasil não apenas participa, ele fornece a gramática rítmica que permite a conversação entre diferentes continentes. 

Quando Marco Bosco utiliza o couro de um tambor ou o metal de um chocalho, ele convoca uma herança que já nasceu mestiça, capaz de absorver a complexidade dos ritmos orientais sem perder a identidade. 

E desculpe a redundância, nesse cenário a percussão deixa de ser apenas marcação de tempo para se tornar a própria arquitetura sonora. É o elemento que humaniza o sintetizador e dá textura ao caldo sonoro global. 

Ao priorizar a batida da terra, Bosco reafirma que a música do mundo não se faz apenas com tecnologia, mas com a sensibilidade de entender que o balanço do maracatu ou o choro de a cuíca possuem frequências que transformam a diversidade geográfica em um elemento compartilhado.

Sua discografia é tão grande quanto diversa. Ouvir Metalmadeira (2014) e Metalmadeira II (2025) é essencial. Online (2016) com Paulo Calasans foi um disco gravado...online. Mais uma possibilidade da tecnologia à serviço da música.    

No Spotify ainda é possível achar pérolas avulsas colocadas lá para o nosso deleite e o do mundo: Flora Brasileira (com Flora Purim), Inventando Moda, Electricwood I e Electricwood III.

Uma passada nessa discografia também nos encontramos com Airto Moreira, Egberto Gismonti, Oscar Castro Neves, Ruriá Duprat, César Camargo Mariano, Dominguinhos, Marlui Miranda e muitos outros. 

Marco Antônio Bosco nasceu hoje, 28 de abril, há 70 anos atrás. Essa matéria é uma homenagem a esse grande músico que leva o nome do Brasil para onde vai. 

Abraço, Bosco. Feliz aniversário. 

Eugênio Martins Júnior - Como foi a tua infância musical?

Marco Bosco – Olha. Desde meu avô paterno, que era violeiro, todo mundo canta. Tinha minha tia Selma rodou o mundo como bailarina espanhola. Os caras iam ensaiar em casa e lembro de ouvi-los tocando. O tio Nenê era o Frank Sinatra brasileiro. Minha mãe fala que quando cheguei em Aparecida do Norte para ser batizado escolhi uma violinha como presente. Já no ginásio havia uma fanfarra. Aí pensei: “É essa parada aí que eu quero”. Virei corneteiro, trompetista. 

Em São Paulo fui morar na Peixoto Gomide, esquina com a Itararé, onde ensaiava a (escola de samba) Vai Vai. Aquele baita barulhão. Aí fui lá, né? Com 16 anos fui tocar na avenida Ibirapuera. O shopping não existia, só casas de samba. 

EM – Deixa eu me situar. Você já tinha ido morar em São Paulo com a tua família?

MB – Meu pai morreu quando eu tinha três anos. Saímos de Torrinha e fomos para São Paulo. Onde cresci, casei e servi o exército. Mais tarde, já na música, fui estudar em Campinas. Estava tocando em uma casa noturna e tinha um show do Zé Rodrix na cidade. Ele me pediu os timbales emprestados e eu disse: “Emprestar eu não empresto. Eu toco”. Quando acabou o show ele disse que estava montando uma banda em São Paulo e me chamou. Eu disse: Só se for agora”. Fui para São Paulo. Mas aí conheci o seu Liu, da dupla Liu e Léu. Ele todo chique e tal. Ele gostou de mim e me colocou para gravar com todos os sertanejos. Gravava três discos por dia com o Julião Batera, que me ensinou pra caramba. Toquei com o Zé Rodrix, Luiz Ayrão, um monte. Daí estou um dia na RCA Victor quando chega uma delegação do Japão. O Reinaldo Barriga não sabia falar inglês e eu fui como intérprete. Conversa vai, conversa vem eu disse que era primo da Sônia Rosa, uma cantora que ganhou tudo o quanto era festival da época. Ela era conhecida por ter participado da feira de Osaka em 1970. Ela e o João Bosco. O Sadao Watanabe a adotou e ela nunca mais voltou. 

EM – Essa tua prima foi com uma banda e o João Bosco? 

MB – Não. Só ela e o João Bosco. Ela cantava bossa nova, era compositora, ganhou festivais, inclusive com a Odete Lara cantando uma música dela. Ela gravou um disco no Japão com o Sadao que vendeu seis milhões de LPs. 

EM – Se deu bem logo de cara. 

MB - Então, mas naquele dia, na RCA Victor o japonês pediu meu contato e depois me chamou. Em 1980 montei uma banda chamada Grupo Acaru, com o Ruriá Duprat e o Leandro Brás. Mas o Leandro saiu. Ficou o Turquinho Alves, Zé Américo Antônio e o Ruriá. E fomos para Tóquio. 

EM – Espera um pouco, já vamos chegar no Japão. Quero voltar um pouco. Nunca tinha ouvido falar de Torrinha até te conhecer. Parece que a cidade não mudou em décadas. Ainda possui somente nove mil habitantes. A cidade ainda te inspira de alguma forma?

MB – Nove mil no município. Na cidade tem sete mil. É do ladinho de Brotas. Velho, eu sou da viola. Cresci aqui. Onde ninguém fala você. Todo mundo fala “Cê”. Vou fazer 70 anos e meu projeto novo vai se chamar “Cê Tenta em Casa”. Com os violeiros a Orquestra de Campinas e convidados.

EM - Nos anos 2000 você realizou um projeto musical com jovens da cidade. Fale sobre isso.

MB – É o seguinte (risos). Minha mãe estava muito doente em São Paulo e eu pensei: “Vou levá-la pra roça para ela morrer em paz no cantinho dela”. O médico falou que ela tinha seis meses e aqui ela durou mais dois anos. Aqui tem muito eucalipto e eu conheci o maior produtor local de óleo de eucalipto. E descobri que ele tinha um depósito de latas de óleo daquelas de 20 litros. Mas tinha umas quinhentas.  Arrumei um caminhão e peguei todas. Aí fiz esse projeto com a molecada, desde pintar a lata até tocar. Não tinha outro instrumento, só lata. 

EM – Para quem quisesse participar?

MB – Sim. E a estação do trem estava desativada e a gente ensaiava lá.

EM - Pesquisando para fazer essa entrevista li que você produziu trilhas para dança, teatro e cinema. Eu ia te falar mesmo que acho a tua música bem visual. Posso estar falando groselha e se estiver me corrija, mas gostaria que falasse sobre isso.

MB – Acertou na mosca. Sou percussionista, mas gosto do Pink Floyd. Porque as imagens sonoras são as que ficam. Saio aqui na porta e tem seriema, tucano e eu gravo tudo. Minha vida inteira foi reproduzir os sons da natureza. Voltando ao Zé Rodrix, fui com ele tocar em Vitória. Quando acabou o show conheci o Maurílio Coelho. Manja esse cara? 

EM – Não.

MB – Ele me deu uma caixa de madeira, grande, linda, com quarenta e oito cantos de passarinhos. É o que uso até hoje. Quando você coloca um reverb ou um delay parece que você está no mato. Cresci no mato, mas gosto de Pink Floyd, Santana. Como é que eu vou tocar conga como o Giovanni Hidalgo? Impossível. Mas se tocar do meu jeito ele também não vai tocar o que eu toco. Fui construindo assim. Você chega no lugar e não é o que você quer tocar, é o que o cara quer. Você está lá para isso. Já gravei com Deus e o mundo. Aprendi muito com vários artistas. Pô, gravei o original de Fuscão Preto. Trabalhei com Liu e Léo, Zico e Zeca, Pena Branca e Xavantinho, Chitãozinho e Xororó. Chegava no estúdio: “Hoje é esse, vamo simbora”.

Marco Bosco e Leo Susi no Bourbon Street

EM - Vejo em muitas das tuas composições uma fusão de elementos eletrônicos e instrumentos acústicos. Posso citar alguns exemplos aqui: 33 e o EP mais recente, o Metalmadeira II e a música Sol da Manhã que parece que tem um berimbau com wha wha. Isso foi um planejamento no sentido de “eu quero falar com o mundo”, “eu quero fazer isso mesmo” ou foi acontecendo naturalmente?

MB – É um berimbau com arco de violino. Em 1980 eu fui para o Japão para ficar quatro meses, que era o máximo que podia. Levei instrumentos brasileiros velhos, sabe como é. Quando cheguei lá comprei uma bateria eletrônica da Yamaha. Uma de cartucho. Na época não existia midi. Me aprofundei na bateria eletrônica, nas levadas que eu queria, como queria. Por exemplo, esse disco que saiu agora, o Metalmadeira II, é de 1983. 

MB – Como chama aquele cara que foi produtor do U2?

EM – Daniel Lanois? 

MB – Não.

EM - Steve Lillywhite?

MB – Não, aquele outro famosão. Na bienal de São Paulo de 1984 eu dei um disco para ele, assinado e tal. Passaram-se trinta e poucos anos o John Gomes, DJ fodão lá da Inglaterra, encontrou esse disco assinado num sebo e comprou.

MB – Lembrei, Brian Eno. Você falou todos menos ele. (risos)

O Brian Eno tinha aquele disco Music For Airports que eu pirava. 

Mas então o DJ achou o disco e entrou em contato comigo. Ele produziu um álbum duplo no qual tenho três músicas. Cara, esse álbum vendeu quarenta mil cópias. Uma DJ brasileira que nasceu em Curitiba e mora em Milão comprou o Metalmadeira e via gravadora Soundway Records juntou vários DJs para gravar alguns remixes. Diziam que eu fui o primeiro cara da música a fazer o que eu faço hoje. Porque lá nos anos 70, eu e o Paulo Calasans, ainda moleque, fazíamos um som acompanhando um ao outro com bateria eletrônica, sequencer, era uma onda. Você trocava o programa com a fita cassete. A cada duas músicas alguém tinha que falar alguma coisa para dar tempo de trocar. Fomos caminhando assim desde o começo.

EM - Fale sobre essa parceria com o Paulo Calasans. Ele completa o lado eletrônico do teu som. Programações, sinths, teclas.

MB – Tenho 16 álbuns e ele tocou em 14. No álbum Online de 2015 fizemos tudo online. Até ensaiar. Só nos encontramos no dia do show. O lance com o Calasans foi o seguinte. Íamos tocar em Jundiaí e o pianista deu o cano. Mas o equipamento dele estava com a gente. E quando acabou o show em questão fomos comer e beber em um lugar onde o Paulinho estava tocando. Nós perguntamos se ele queria seguir turnê com a gente e ele aprenderia as músicas no ônibus e ele foi. 

EM – Tá de sacanagem?

MB – É. Aí o Sá e Guarabyra também o chamou. Depois o Lô Borges. 

EM – Você fez com ele a mesma coisa que o Zé Rodrix fez contigo. Chamou o músico e deu uma chance.

MB – Exatamente. E ele tocava pra caramba. O pai dele tocava violoncelo e os irmãos violino, baixo e viola. Tinham um quarteto clássico. 

EM – Que história legal. Mudando de assunto, muita gente chama isso que você faz de world music. Você reconhece esse rótulo?

MB – Faz sentido. Não faço música para nenhum lugar específico. Quando estou gravando não penso em nada. Eu recebo algumas gravações, edito e gravo do meu jeito. Ninguém se encontra mais pra tocar. 

EM – Por um lado isso legal. A tecnologia encurtou as distâncias, mas o calor do estúdio, da troca de ideia ao vivo se perdeu. 

MB – É, você pode testar, mudar, editar. Bicho, tocar em disco é uma coisa e ao vivo é outra. O tratamento é diferente em cada música. 

EM - O teu kit de percussão é o maior que eu já vi até hoje. Você tem noção de quantos instrumentos tem?

MB – Ah não sei. Tem o básico, né? Timbales, conga, djembe, bongô e o resto. Sei lá. Fui para Portugal e um cara fez um monte de sino de barro. Outro dia estava andando aqui no pasto e trombei com um cavalo morto e roubei o queixo dele. Está aqui. Vou te mostrar. (ele pega o negócio coloca em frente à tela do computador, é um trambolho que nem dá pra ver direito). É um dos instrumentos mais antigos do mundo. A primeira vez que ouvi foi na música Disparada. É o pai do vibraslap. 

E agora ganhei um berimbau feito em São Paulo que é o melhor do planeta, feito pela Berimbau Brasil. É um absurdo. Com tarraxa de contrabaixo, corda de pianos que afina. Você vai juntando instrumentos, cabaças da África, sementes.

EM – Bosco, você teve uma vida musical prolífica no Japão. Não sei nem por onde começar, você fez muita coisa lá naquele país. Gostaria que contasse um pouco dessa história.

MB – A primeira vez fiquei quatro meses. Só que esse disco que gravamos lá, Live at Hot-Crocket, o lugar onde a gente trabalhava, vendeu sessenta mil cópias. Pô, comprei um apartamento. Tirava até foto do dinheiro e tal. Depois, em 1989/90 mandei uma trilha que fiz para um balé em São Paulo sobre danças indígenas. A Odeon do Japão, que tinha um selo com um nome brasileiro, me chamou. Fui e gravei mais algumas faixas, num disco que se chama Hánêréa (The Power of Nature), usando algumas coisas que gravei em Manaus. E foi pintando trampo e eu fui ficando. Mas tinha que arrumar alguma coisa para fazer lá. Naquele momento entre o Brasil e o Japão havia começado a modalidade de “visto cultural” e eu me matriculei numa escola chamada Edo Sukerocu Daiko. Fui aprender a tocar instrumentos japoneses, o taiko. Fiquei cinco anos com eles. No disco chamado Tokyo Diary coloco junto com a galera do samba. 

Depois conheci um cara chamado Nick Wood, que era sócio do Simon Le Bom do Duran Duran. Eles têm uma produtora chama SYN Productions e eu comecei a gravar com eles e fui ficando. Fiquei mais de 20 anos.

EM – A família foi junto?

MB – Não. Fiquei viúvo aos 37 anos. Minha filha ficou morando com as tias e só foi quando ficou adolescente. Minha mãe estava muito doente e eu voltei em 2000, mas ela acabou falecendo. Em 2004 voltei para o Japão e depois voltei ao Brasil em 2012. Depois fui para a Europa, Portugal, Macedônia, um lugar maravilhoso. No final de 2019 voltei para trocar o meu visto e estourou a pandemia e eu vim para Torrinha. E estou aqui desde então.

EM - Tokyo Diary é um álbum com uma constelação de bambas. Já que você tocou no assunto, gostaria que falasse sobre esse álbum.

MB – A parada é a seguinte. Minha prima Sônia que morava lá e está viva até hoje, era muito amiga do Sérgio Mendes e do Oscar Castro Neves. O Sérgio me chamou para trabalhar com ele. Também fiquei muito amigo do Oscar Castro Neves, ele era o professor, né? Me ensinou tudo. 

Depois conheci um cara chamado Jun Otsu, que era programador de uma grande rádio, porque no Japão há quatro grandes rádios estatais. E naquele tempo o programador saia para comprar discos. Ele comprou o Hánêréa - The Power of Nature e passou a tocar. E nada é por acaso, velho. O Seigen Ono, que era engenheiro de som me apresentou ao Otsu que disse: “Olha, eu recebi uma herança e quero fazer seu disco. Mas quero fazer um “puta” disco”. Eu Disse: “Você paga? Ele concordou. Falei com o Oscar e ele montou uma banda de cair para trás: Airto (Moreira), Flora (Purim), César Camargo Mariano, Ruriá Duprat, Don Grusin, Alex Acuña. Muitas percussões coloquei depois aqui no Brasil. Tinha que apresentar um trabalho pelo tempo que estudei lá. Daí escrevi uma peça com os toques deles e misturei com samba.

EM – Foi malandro. Juntou as duas coisas, a tese com a gravação. 

MB – A primeira vez que eu fui, cabeludo, barbudo, era parado na rua e as pessoas pegavam na minha barba. Quando cheguei no lugar havia trinta e seis brasileiros. Quando saí tinha mais de 300 mil. Logo de cara conheci o Tsuyoshi Yamamoto, inclusive temos um disco gravado. Ele está vivo até hoje e naquela época já era importante. Quando o Acaru gravou no Japão me disseram que precisava ter um convidado e quando o ouvi tocar já disse que seria ele. Somos amigos até hoje. 

EM – Você também morou na China? Sei que cruzou o país com o Leo Susi. Conta essa história. 

MB – Fui doze anos seguidos para a China. Na última vez que eu fui com o Randy Brecker, antes da pandemia, tocamos em 48 cidades, ficamos sessenta dias, quase morremos de tanto tocar. 

EM – Imagino. A China é gigante igual ao Brasil.

MB – Por isso que eu falo, se aquilo é comunismo eu não vejo a hora de chegar aqui. 

EM – A lista de músicos importantes que você tocou é infindável. Mas não dá para não perguntar essa. Você tocou com a Nina Simone. Como foi isso? Só se encontravam na hora de tocar? Como ela era?

MB – Não, viajávamos juntos. Era bem louco. Tinha um moleque que viajava com ela, e que nós apelidamos de Miltinho por parecer com o Milton Nascimento, que andava com um cooler em uma bolsa chique e uma taça de cristal, champanhe e um monte de baseado. 

A gente ensaiava, mas os caras tocavam com ela há vinte, trinta anos. Ela só ia no final do ensaio. Quando chegava na hora do show ela mudava tudo. Foda-se o ensaio. Quando veio tocar no Brasil ela lembrou que eu era daqui. Eu disse que não tocava aqui havia uns oito anos. Na hora do show, naquele lugar enorme, não lembro onde foi, um lugar conhecido. Ela disse: “Olha tem um cara que não toca aqui há muito tempo e vai tocar agora pra vocês”. E ela saiu e me deixou sozinho. E eu mandei pau. Aí ela aparece com um adereço da África e eu tocava e ela ficava dançando e fazendo umas rezas em cima de mim. A casa veio abaixo.

EM – E no trato, no dia a dia? Como era ela?

MB – Convivência normal. Ficava muito na dela. E tinha umas coisas malucas, assim, dela. Antes do show ficava no camarim e a gente no nosso. Mas todos os músicos tinham que ir ao camarim dela e falar: “Nossa, como você está bonita!” Era só isso. Muito louco, bicho!

EM – Bosco, estamos chegando no final da entrevista. Como está a tua vida hoje?

MB – Em 2024 lancei um projeto chamado 40 e Manos, que é um álbum duplo chamado Em Canto, só cantado. E outro chamado Em Toque, que é só tocado. E um detalhe importante: tem um cara brasileiro chamado Carlos Freitas, que é o gênio da masterização no mundo. Ele mora em Miami, mas era do time do lendário estúdio Vice e Versa, em São Paulo. Recentemente fizemos um Single em Atmos chamado Awá, sobre a história de um índio da Amazônia, cuja família foi assassinada. Fizemos eu e o Jether Garotti com a orquestra dele, ficou legal. E agora estou preparando os singles, um chama Abraçando Vida, Natural Mentes e outro, Acordado no Sono. Essa coisa eletrônica que eu sei fazer. Vamos ver. Agora eu faço 70 anos e estou preparando um projeto para sair o ano que vem que se chama Cê Tenta em Casa. Com os violeiros, só que do meu jeito, com eletrônica e a Orquestra de Cordas do Jether Garotti.

EM – Fazendo a fusão que é a tua assinatura?

MB – Exatamente. Tentando manter a música viva.

Armandinho Macedo, um dos grandes inventores da música brasileira

Armandinho Macedo e Eric Assmar - Sesc Taubaté 16/08/2025

 (Foto: Eugênio Martins Jr)

Texto e fotos; Eugênio Martins Júnior

O dia 16 de agosto de 2025 parecia ser como qualquer outro. A única diferença era que eu deveria levar as minhas irmãs ao aeroporto de Guarulhos para um embarque. 

Daí recebo uma mensagem do Eric Assmar me convidando para assistir seu show com o Armandinho Macedo no Sesc Taubaté. 

Mesmo para mim, de humanas, foi fácil calcular. Saindo de Santos e chegando em Guarulhos já estaria quase na metade do caminho para Taubaté. Com uma ligação resolvi a hospedagem. Um hotel legal, onde costumo ficar quando também produzo alguma coisa no Sesc. Tudo certo, vamos nessa.

Cheguei com meus dois livros Do Choro ao Jazz e A Música Instrumental debaixo do braço e o Armandinho já se amarrou. Presenteei-o com um de cada e com o Eric troquei pela biografia do seu pai Álvaro Assmar – Uma Vida Blues, que está na fila de leitura desse ano. 

Feitos os agrados, partimos para a entrevista. Quem diria, uma sexta-feira a qual eu provavelmente passaria bebendo até vomitar em algum boteco de Santos rendeu uma entrevista de uma hora com uma lenda da música brasileira.

Antes de continuar, vamos refletir juntos sobre alguns pontos. Armandinho não é um músico comum. É do grupo dos inovadores. E poucos podem vestir esse casaco. O que acham de Hendrix, Santana, Muddy Waters, Johnny Alf, João Gilberto?  

Armandinho também é um cara de fases. Cresceu na sombra do inquieto Osmar Macedo, seu pai, inventor do trio elétrico ao lado do amigo e gênio, Dodô. Desde cedo Armandinho sentiu-se à vontade para criar e desenvolver sua linguagem musical. 

Ao longo da vida testemunhou a evolução da guitarra elétrica, do cavaquinho e do bandolim. E, principalmente, do trio elétrico. 

Ao lado de Mu Carvalho, no grupo A Cor do Som, estabeleceu um diálogo pioneiro entre o bandolim e os sintetizadores, fundindo a pulsação do frevo ao rock em uma época de experimentação no Brasil. Anos 70, brother. Massaranduba e Arpoador, talvez reverências ao fraseado de Carlos Santana, e as complexidades rítmicas de Ping Pong e Frutificar provaram que a música instrumental brasileira poderia ser popular e vanguardista.

A trajetória de Armandinho Macedo no A Cor do Som representou um marco na sofisticação técnica, criando uma estética própria. Seu domínio sobre as cordas, alternando entre a tradição do bandolim e o vigor da guitarra baiana, criada por ele, conferiu à música brasileira uma nova dimensão elétrica, capaz de dialogar com o jazz-rock, o fusion feito na gringa. 

A Cor do Som personificou o desbunde carioca do final dos anos 70, traduzindo o espírito de uma juventude que trocava o peso político pela leveza solar do Posto 9. 

Com letras imersas no vocabulário bicho-grilo celebravam a natureza, a liberdade e o misticismo, sob o brilho e a luz de um Rio de Janeiro intensamente azul. 

Faixas como Magia Tropical, Abri a Porta e Zanzibar funcionavam como hinos de uma geração que buscava o prazer e as cores da vida. Vejo esse lirismo ensolarado não como alienação, mas uma forma de resistência através da alegria e da expansão sensorial. 

Entre o surf no Arpoador e o píer de Ipanema, o grupo uniu o virtuosismo técnico a uma poesia descompromissada, que falava de voar, frutificar e “vamos viver a vida, pooooorraaa!

Mais tarde, seu encontro com Raphael Rabello uniu a eletricidade da guitarra baiana à profundidade do violão de sete cordas. Em apresentações antológicas, a dupla promoveu um duelo soft – acabei de inventar – de agilidade e sensibilidade, fundindo o choro tradicional a improvisações que beiravam o jazz. Um arrebatamento sonoro. 

Já o álbum Assmar & Osmar (Ao Vivo), fruto da parceria com o guitarrista Eric Assmar, é uma celebração ao legado das cordas na Bahia. Gravado em novembro de 2024 no Cineteatro 2 de Julho, em Salvador, o projeto une duas gerações: de um lado, a lendária guitarra baiana do mestre Armandinho; do outro, o blues refinado de Eric, filho do saudoso Álvaro Assmar, blueseiro da pesada.

O repertório é uma fusão enérgica entre o frevo, o rock e o jazz, destacando a improvisação como fio condutor de faixas como Assmar e Osmar e Blues para Armando. 

Na entrevista aconteceram duas coisas inusitadas. A primeira foi o Armandinho ter usado o termo “música do mundo” duas vezes. Que será o título do meu próximo livro de entrevistas: A Música do Mundo. 

E a segunda foi que ele lamentou o fato de que Hamilton de Holanda, um dos maiores nomes da música instrumental brasileira, nunca deu crédito a uma de suas inovações, o bandolim de dez cordas. Na verdade, foi bem enfático e sempre que podia voltava ao assunto. Como jornalista apenas registrei o protesto. Por favor, não atire no mensageiro.

Eugênio Martins Júnior – Desde cedo você carrega nas costas duas tradições musicais, a familiar e a da Bahia. Ao mesmo tempo foi um inovador e hoje você é um representante dessa mesma tradição. Gostaria que falasse sobre isso. 

Armandinho Macedo - Meu pai tinha paixão por música desde menino. Ele inventou uma modalidade. O cavaquinho com afinação de bandolim, que no fim gerou a guitarra baiana. Minha avó tocava bandolim em casa e minha tia tinha um grupo de mulheres no interior da Bahia que tocavam bandolins. E ela tinha um bandolim de cuia italiano, com madrepérolas. E meu pai começou a tocar com 12 anos. Ele queria levar aquele instrumento para rua, mas ela não deixava. Um bandolim que era uma relíquia.  E meu pai comprou o cavaquinho e afinava como um bandolim.

Nesse momento o filho do Armandinho entra na sala onde rola a entrevista.   

Olha o Manduca aí. Acredita que esse moleque nasceu num dia 22 de 2023, mesmo dia que o meu pai nasceu, só que em meses diferentes. Mas meu pai também nasceu num dia 22 em 1923. Ele parece muito com meu pai. É muito observador. E em dois momentos ele fez coisas que meu pai fazia. Um é colocar a guitarra nas costas. Pegou o cavaquinho dele e colocou nas costas. E quando ele finge que está tocando minha irmã diz que parece que está vendo meu pai. Como ela é espírita e mãe de santo, disse que está no tempo exato de reencarnação, realmente. Faz 27 anos que meu pai morreu. E segundo ela acontece essa coisa com os espíritos, do avô, filho, neto ficam rodando na mesma família. E meu pai tinha uma ligação muito grande comigo.

EM – O jovem Osmar já era um prodígio. Não é comum um garoto com 12 anos afinar um instrumento como se fosse outro. 

AM – É que era mais prático, o cavaquinho não tem tantas cordas, o bandolim tem cordas duplas e ele poderia levar para qualquer lugar. Nesse instrumento ele desenvolveu sua musicalidade. Ouvindo o irmão dele estudando violino clássico e captando todas aquelas coisas. 

Meu pai foi um grande músico e compositor. Compôs vários frevos de trio elétrico. Ele gostava de frevo porque é uma música que exige muita habilidade instrumental. O pai dele, meu avô, era pernambucano, então ele tinha uma ligação com a música pernambucana muito forte.  

Aos 19/20 anos de idade ele se ligou ao Dodô, que era um eletrotécnico e tocava violão com o Dorival Caymmi. Mas no final dos anos 30 o Dorival foi fazer sua carreira no sul. A partir dos anos 40 meu pai começou a tocar com o Dodô nesse mesmo conjunto, o Três e Meio. Um conjunto de seresta que tocava as músicas do Dorival. Mas meu pai a colocou os frevos e as marchinhas e coisa começou a mudar. Entraram os chorinhos que ele também gostava muito. Ouvia muito Lupércio Miranda e Jacob do Bandolim. Essa era a escola musical dele. E eu cresci ouvindo isso.

EM – A tua mãe também era ligada à música?

AM – Minha mãe não gostava desse lado do meu pai. Porque ele tinha que ir encontrar os amigos para essas reuniões musicais. Ela não queria que a gente participasse. Teve quatro filhos com meu pai e não queria nenhum participando dessa história. Não deixava ter instrumento em casa. 

Até o tempo que eu convivi com a minha mãe só pegava em um instrumento escondido. Meu pai deixava lá por acaso e eu ia e dava uma palhetada e minha mãe chegava logo para tirar da minha mão. 

EM – Era brava?

AM – Não era brava, mas rejeitava esse lado musical. “Não quero que meu filho seja músico porque isso acaba o casamento”. Achava que o casamento dela com meu pai estava indo para as cucuias por causa da música. Mas minha mãe morreu quando eu tinha oito anos. Meu pai casou novamente e eu fui morar com a minha avó e minha tia. Mas ele morava perto e quando eu ia na casa dele e pedia para me ensinar a tocar. Mas só a partir de nove anos. Fiquei um ano mal pela perda da minha mãe. Ele começou a me ensinar e percebeu que eu já tinha pegado a forma de tocar dele. Por tê-lo visto tocar tantas vezes. Ele só precisava colocar meus dedinhos em cima das notas e com uma semana eu já estava tocando Vassourinha. Com um mês, outras músicas e ele passou a cada dia me ensinar uma música. Melhorando a minha técnica, me dando uns frevinhos mais difíceis. Para você ter uma ideia, nove meses depois, o tempo de uma gestação, ele dizia que eu estava pronto. Aí ele fez um trio pequeno.

EM – Armandinho, há muitos músicos no mundo. Ótimos e geniais. Mas poucos são os inovadores. O teu pai foi um desses, um inventor. Gostaria que falasse sobre isso. 

AM – Ele inventou o trio com o Dodô. Inventaram a modalidade da guitarra maciça, que chamavam de cavaquinho elétrico. Violão elétrico. Eles estavam eletrificando tudo.

A partir de 1942, Dodô, um técnico em eletrônica, fez um captador. Coisa que não tinha e não vendia. Ele trabalhava com bobina, fazia transformador. Ele aprendeu depois de ver Benedito Chaves e seu violão elétrico, um violonista que tinha na Bahia. A invenção de Dodô era bem rudimentar. Um captador que ainda fazia ruído, microfonia. Ele botava no cavaquinho de meu pai, aquele com afinação de bandolim, e no violão dele e jogava nos amplificadores. Naquela época aquilo já era uma coisa impressionante.

Meu pai encheu o cavaquinho dele de estopa e teve um ganho de uns 50% a mais. Nessa o Dodô pensou: “Pô, se o cavaquinho soa melhor abafado é porque não precisa da caixa. Vamos fazer um corpo sólido”. Mas o Dodô Tinha 16 filhos e trabalhava para uma rádio e tinha que entregar os equipamentos. E meu pai ficava em cima dele para modificar o instrumento. O Dodô prendeu uma corda em uma bancada nos dois lados, mudou a posição do captador e ganhou grave, agudo, deu um sonzão redondão. Meu pai disse que quase estourou o falante. BAAAAAAMMM! O vizinho achou que era o sino da igreja. 

Mas o Dodô não sabia fazer um instrumento, nunca havia feito uma escala. Meu pai não teve dúvida, foi na loja, comprou um cavaquinho e um violão. Ainda brincou com o vendedor: É bom mesmo esse instrumento?”, e quebrou os dois na frente do vendedor. Ele foi chamar o dono da loja dizendo que tinha um maluco quebrando tudo. O homem já estava chamando a polícia quando meu pai saiu atrás dele dizendo que ia pagar e que só queria o braço dos instrumentos. Aí foi a vez do dono perguntar se ele não queria quebrar mais coisas. 

EM – Mas ele ia reconstruir os instrumentos?

AM – O Dodô era um cara inteligente e fez o complemento com jacarandá. Pronto. Quando ligava naquelas cornetas metálicas o cavaquinho gritava. Não deu outra. O Dodô, com a capacidade inventiva dele, de eletrônica e conhecimento, se ligou que em vários lugares que eles tocavam não tinha luz. Então ele ligava os instrumentos em bateria de carro. Aí no carnaval eles ligavam na bateria do carro e saiam tocando.  Os percussionistas andavam atrás, igual bloco de rua. Quem estava na rua enlouquecia. 

EM – Nasceu o trio elétrico.

AM – Pois é. Mas era dupla elétrica. Mas tinha um terceiro, que Dodô fez um violão para ele também. Aí colocaram o nome do conjunto de Trio Elétrico. Saiam no carro que meu pai usava na metalúrgica dele, a “fobica”. Era um ferro velho que meu pai pintou. Depois disso os percussionistas também queriam sair motorizados. Meu pai fez uma caçamba e os percussionistas iam junto. Dodô ampliou o som. Botou mais cornetas. Duas para trás, duas para frente e escreveram o nome do conjunto na lateral: TRIO ELÉTRICO. No ano seguinte entrou um patrocinador e botaram um caminhão e toma alto falante. Daqueles redondos. O cavaquinho era o sucesso do negócio. 

EM – Aos poucos foram incorporando as tecnologias do momento?

AM – Sim. No ano seguinte entrou um patrocinador que colocou um caminhão. Tudo movido a gerador. Junto com o patrocinador também chegou as lâmpadas fluorescentes rodeando todo o trio elétrico. Era um negócio impressionante. Meu pai tinha conhecimento de como lidar com gerador, motor diesel, metalúrgica, trabalhou muitos anos com isso. Era para ter se formado em engenharia, mas parou para trabalhar. E Dodô era o mestre da eletrônica. Mas a paixão de ambos era a música. 

EM – Ele levava duas vidas.

AM – Para desgosto da minha mãe a coisa foi crescendo. Outros músicos começaram a se interessar e eles passaram a vender os equipamentos para outros trios. Mais ou menos cinco anos depois da estreia do Trio Elétrico do meu pai - porque o nome do conjunto era Trio Elétrico – apareceu o Conjunto Atlas, Conjunto Cinco Irmãos. Quando os carros chegavam aí sim parecia que começava o carnaval. E as pessoas falavam: “Olha, lá vem o outro trio elétrico”. Aí a coisa pegou. Elétrico era o moderno da época, foi quando surgiu torradeira elétrica, geladeira elétrica, ferro elétrico. 

EM – Tá legal. Então nessa época você já tocava frevo elétrico com o teu pai. Logo apareceu o Jimi Hendrix, Alvin Lee, Santana. Como isso te influenciou?

AM – Aí eu fiz o que Gil e Caetano chamaram de tropicalismo. A forma de fazer a música brasileira com uma linguagem, como uma música do mundo.  

Olha, com dez anos meu pai já havia feito para mim um minitrio elétrico, no qual eu já entrava solando. Em 1965 os Beatles entram na minha vida. Nunca tinha ouvido nada de fora. Só escutava as músicas que meu pai tocava, chorinho, frevo, música brasileira. Então começo também a tocar a guitarra e aprender tocar aquelas músicas, com 12 anos de idade. Dois anos depois fundei um grupo de iê iê iê para tocar Renato e Seus Blues Caps, Roberto Carlos. Só que nesse conjunto, todas as vezes que as festas iam chegando ao fim eu pegava o cavaquinho e tudo virava trio elétrico. Sempre acabava em carnaval. 

EM – Era o lugar que você se sentia mais forte, né? Quero dizer, o teu conhecimento musical partia daí. 

AM – Para você ter uma ideia, aos quinze anos de idade entrei em um concurso, A Grande Chance, no programa do Flávio Cavalcanti, ia ter uma eliminatória na Bahia. Meu pai me preparou para tocar o bandolim. Então era a minha base musical. Ele sabia que na final, no Teatro Castro Alves, iam estar o próprio Flávio e o Sérgio Bittencourt, filho do Jacob (do bandolim). Meu pai fez um arranjo para Modinha, do Jacob, que virava marcha e virava frevo. O Sérgio pirou. Eu tinha uma habilidade danada e meu pai sabia disso. Meu aprendizado culminou com o Moto Perpétuo, de Paganini. Mas isso é outra história. A plateia do Castro Alves veio abaixo. E o Flávio disse que eu ia para o Rio de Janeiro participar da grande chance. 

Eu fui. Fiz o programa no Teatro Municipal do Rio. De novo meu pai sabia que lá cada jurado gosta de uma coisa e preparou um pot pourri com valsa, música de novela, e a Modinha no final.  E ainda me colocou para tocar com o Dino 7 Cordas. Fui ao Municipal do Rio no dia 15 de maio de 1969, a uma semana de fazer 16 anos e a poucos dias do homem descer na lua. O teatro igualmente veio abaixo. Eu chorava. Me tiraram da escola e me levaram para o Rio de Janeiro para me apresentar para o Sargentelli, Nelson Motta, Mariozinho Rocha, o filho do Jacob.

EM – Mas você ganhou?

AM – Não, tirei em segundo lugar. 

EM – Você lembra quem foi o primeiro.

AM – Foi a Aurea Martins, cantora de bossa nova. O Nelson Motta me deu nota quatro. E ela teve cinco de todos. Ele era muito fã de bossa nova e queria que ela ganhasse.  A Aurea está com oitenta e poucos anos, encontrei-a outro dia no Rio de Janeiro. Eu estava recebendo um prêmio da música no Municipal do Rio e ela também estava. Ficamos lembrando do dia que aquele tinha sido o nosso palco. A apresentação foi gravada ao vivo e meu nome está no álbum como Armando Macedo. Um compacto que vendeu como água, dez mil cópias em uma semana, muita coisa para a época. 

EM – Quero voltar à guitarra. Naquele lance que você falou que fazia tropicalismo. Ou o antropofagismo brasileiro. Você, Pepeu Gomes, Robertinho do Recife, o pessoal da guitarrada do Pará, pegaram um instrumento estrangeiro e fizeram um som brasileiro. 

AM – Temos essa base brasileira. Lá em Campinas (do Pirajá, bairro de Salvador), onde meu pai tinha a metalúrgica, tinha uma rádio que transmitia os programas por alto falantes por toda a vila. Tocava muito Waldir Azevedo, Delicado. Como eu ouvia isso, rapaz. Brasileirinho também. Essas músicas faziam muito sucesso nas paradas. Rivalizavam com os cantores da época. Viajei muito com o Altamiro Carrilho e ele me contava isso. Delicado era tão famosa que tocava até em caixinha de música no Japão. Como instrumentista, o Waldir tinha uma posição como nenhum outro aqui no Brasil. 

A partir dessa base é que a gente foi ouvir Beatles, Rolling Stones, Jimi Hendrix, Led Zeppelin. A gente passa a absorver, passa a fazer parte do nosso organismo. Então comecei a mostrar que na minha guitarrinha elétrica, no meu cavaquinho, eu também tocava Beatles, Jimi Hendrix (Armandinho solfeja Machine Gun). 

EM – Você é da geração mais antiga e o Eric é um jovem que bebeu na fonte do blues rock, com outra técnica. Como se dá a parceria?

AM – Ele é filho do Álvaro Assmar um blueseiro que gostava do que eu fazia com o trio elétrico. Ele compôs uma música que a gente toca nesse show que eu dizia que parecia muito com A Cor do Som, aqueles baiões que a gente fazia. Não chegamos a tocar juntos, mas ele me ligava e a gente conversava e conversava. A minha escola elétrica vem muito mais do frevo. Quando começo a tocar meu cavaquinho elétrico no trio, os meninos dos Novos Baianos, Dadi, Moraes, Pepeu subiram logo no trio comigo. Olhavam o cavaquinho e perguntavam que afinação era aquela. O Dadi falava que eu parecia o Jimi Hendrix tocando cavaquinho e eu ainda nem tinha distorção no instrumento. A distorção que tinha vinha das válvulas e das cornetas (alto falantes).     

Em 1974 o Moraes me chamou para tocar com ele. Fui para o Rio de Janeiro e eu adorava os Novos Baianos, o Pepeu com aquela guitarra misturando com o samba. Quer dizer, o bandolim e o chorinho me levavam para o mundo de meu pai. E eles me mostraram que não, que essa música poderia estar no mundo jovem também. Essa é a importância dos Novos Baianos. 

EM – Entrou a eletrificação na tua vida?

AM – Gravei o primeiro disco do trio homenageando meu pai e o Dodô, que já não tocava mais. Coloquei-os como os donos do disco. Meu pai reclamou que o disco tinha que ser meu, ele já botava meu nome no trio elétrico. Ele que mudou para Armandinho, dizendo que era mais musical. (risos). Ele sempre com essas ideias.

E no segundo disco do trio eu já injeto mais chorus, distorção e começo a botar o meu tropicalismo em ação. Daí meu cavaquinho começa a chamar os cabeludos.

EM – E quando surgiu o A Cor do Som?

AM – Quando comecei a tocar com o Moraes Moreira a gente formou outra banda. O Dadi era baixista dos Novos Baianos e saiu junto com o Moraes. O núcleo do A Cor do Som eram eu e Dadi. Ele conhecia um baterista que tocava com o Raul Seixas, o Gustavo. Nos ensaios para o primeiro disco o Mu entrou nos teclados para fazer uma música e ficou. O Ari Dias estava no Rio com a banda dele e eu chamei para gravar Trio Elétrico e acabou ficando. 

No terceiro disco, em 1978, com essa ideia de cavaquinho/guitarra é que coloquei o nome de guitarra baiana. Na boca do povo era guitarra baiana pra lá e pra cá. Era a voz do trio elétrico. 

Uma vez levei o Moraes para assistir o trio elétrico e tinha um microfone só para o meu pai dar o boa noite. E toda noite meu pai pegava o microfone e: “Boa noooooite, meus amigos”. Aí apelidaram o microfone de “meus amigos”. O Moraes falou “Armando pega lá o meus amigos. Vamos cantar o Jubileu de Prata aqui. Eu digo: “Mas o microfone é para as cornetas”. O Moraes: “Não tem problema, o povo ajuda”. Não deu outra, estourou e foi a música do carnaval daquele ano.

EM – E foi nessa época que o A Cor do Som gravou em Montreux.

AM – Sim. Gravamos um disco lá. Aqui disseram que fomos vaiados. Que houve uma crítica, um protesto dos caras do jazz porque não queriam que tivesse bandas de rock. Éramos tidos como uma banda de rock. Era uma vaia lá no fundo, mas era organizada. Eu disse: Dadi, você está ouvindo uma vaia?”. Ele respondeu que sim. Ficamos incomodados, mas tinha um pessoal dançando ali na frente. Mas cortou a nossa onda. O Gil entrou no palco e falou: “Olha, o A Cor do Som faz a música de hoje. Essa música é brasileira e tem essa roupagem”. A vaia se manifestou quando tocamos Eleanor Rigby em versão de frevo. Mas foi um disco maravilhoso. Tanto que fizemos essa regravação em 2021 e ganhamos o prêmio Grammy. 

EM – De maneira geral os brasileiros sempre foram bem recebidos lá. O próprio Pepeu Gomes gravou um disco na mesma pegada.

AM – O Pepeu foi depois. Esse clima foi melhorando. E melhorou tanto que chegaram ao ponto de levar o É o Tchan!, que foi o maior público do festival. E em 1996 teve a noite baiana, a gente foi também.

EM – É o Tchan! foi sacanagem.

AM – Mas essa história da guitarra baiana é mais interessante para mim. Em 1983 eu vim com a história da quinta corda. Achando também que ninguém iria se interessar por isso, mas no ano seguinte o Luiz Caldas fez uma para ele. 

Em 1989 eu tocava bandolim com o Raphael Rabello e ele me levou na Do Souto, onde era fabricado o instrumento do Jacob do Bandolim, no Rio de Janeiro. Ele me disse que o Silvestre, luthier que fazia os bandolins do Jacob, estava encerrando a carreira e tinha três bandolins para vender. Eu cheguei lá e propus ao Silvestre fazer um bandolim de dez cordas. Fiz a minha guitarra baiana e todo mundo passou a usar. Ele disse que eu tinha que falar com o dono da Do Souto. Falei com os dois donos e eles alegaram que não ia vender, que teria que criar toda uma estrutura e que não era rentável. E eu fiquei com essa ideia.

Em 1994 apareceu o batera Jorge Brasil e disse que havia um luthier lá no Carmo que faria o bandolim de dez cordas. Fui a ele, Jorge Itacaranha, que me disse que faria o bandolim. Eu fiz um desenho que é exatamente o bandolim que eu tenho hoje, o cebola. Ele disse que tinha uns formatos dele e eu disse tudo bem, faça como preferir. Só respeite o círculo do bandolim. Quando estava fazendo, ele me diz: “Olha, eu não trabalho com totalmente acústico. Vou pegar uma madeira, cavar e será um semiacústico”. Rapaz, ele levou um ano e tanto para me entregar, em 1996. Tudo bem, tinha dez cordas, mas só funcionava elétrico. Testei e não era muito elétrico e nem acústico. Não. A minha ideia era fazer um acústico. 

Ele ficou parado até 1999. Demorei porque na época comecei a tocar um (bandolim) Ovation, cuja sonoridade no palco me agradava muito. Foi quando o Hamilton (de Holanda) foi passar uma semana lá em casa, dormindo no meu estúdio. E meu bandolim de dez ficava lá. A namorada dele me disse que ele ficava praticando todas as noites. E eu falei para ele a minha ideia de fazer um bandolim acústico de dez cordas. Estou há dez anos tentando fazer esse instrumento e ainda vou encontrar um luthier. Só que o Hamilton foi mais rápido. Ele saiu dali com o objetivo de fazer.

EM – Eu ia mesmo te perguntar sobre essa paternidade do bandolim de dez cordas. O Hamilton me disse que um luthier de Sabará fez a pedido dele. 

AM – Ele é meu amigo. Fico até numa situação... Eu já perguntei: “O primeiro de dez que você viu foi o meu, né?” E ele disse que foi. Eu disse: “Então porque você não fala?”. Até num show do Sesc que a gente fez em São Paulo, perguntei isso no palco. Estava contando a história: “Aí fiz a guitarra baiana de cinco cordas, porque eu fui o mentor dessa quinta corda, e a guitarra baiana é afinação de bandolim. E aí fiz o cavaquinho de cinco cordas e o bandolim de dez cordas, o que ele conheceu lá em casa, não é Hamilton?”. Mandei essa no palco. E ele: “É, mas o teu bandolim era elétrico”. 

Não, era um bandolim de dez cordas, que eu tinha a ideia de fazer um acústico. Só que não me apressei. Ele fez em segredo. Levou uns dois anos. Fez um e não deu certo e depois fez outro. E não me dizia nada. Fiquei nessa cobrança com ele porque o vi com o bandolim e já lançando disco. Confesso que tomei um susto. Espera aí. Eu estava conversando com o cara outro dia e ele não me falou nada. A história é essa. Acho que foi em 1999. Foi um carnaval que ele passou uma semana lá em casa. Não tive a menor preocupação. Não era um segredo meu. Devia ter lançado o semiacústico. Gravei um disco em 1998 que ele aparecia na capa. Comigo cabeludo, com uma faixa no cabelo estilo Van Halen, porque sempre tive esse lado guitarrista, né? 

Mas tudo bem. O Hamilton é um fenômeno. E deslanchou com o bandolim de dez cordas. Porque até então era um seguidor de como eu atuava. Conheci o Hamilton com sete anos de idade e ficou entusiasmado porque eu tocava igual a um guitarrista, com correia. Ele era da escola do pai dele, de choro tradicional. Em mim ele viu outra postura no bandolim. Ele me disse que quando me ouviu tocar o Assanhado com A Cor do Som havia mudado seu panorama. “Pô, ali tive outra abertura”, disse. Então eu o via como um seguidor. E com a maior técnica, porque o som é limpíssimo. E começou a estudar e abrir o leque musical para o jazz. 

EM – Aproveitando a deixa, você acompanha a música instrumental brasileira? Está chegando um pessoal novo. 

AM – Não sou ouvidor de música, rapaz. Gosto de ouvir ao vivo, de ver tocar. A Tereza Rolemberg lá de Brasília fez um projeto Guitarra Brasil que juntou dez guitarristas e vi Frank Solari e Kiko Loureiro. Eu e Pepeu também nos apresentamos. Como tem gente boa na guitarra. O interessante do Frank Solari é que ele toca chorinho. Eu fui estudioso só até os quinze anos, depois deslanchei tocando. É assim que eu vivo.

EM – Mas a tua agenda está cheia. Tem espaço para a música instrumental.

AM – Graças a Deus. Acabei de voltar do Japão. Toquei no festival Brasil Latino. A primeira vez que fui ao Japão, fiz três apresentações. Tenho tocado muito. Semana passada fiz o Blue Note Rio e esse show com o Eric em Brasília. 

EM – Com 72 anos ainda há alguma coisa que você queira fazer no campo da música?

AM – Acho que desde meu trabalho instrumental com o Raphael Rabello eu venho buscando. O último foi com o Yamandú e ganhamos o prêmio da música. E ainda ganhei como instrumentista competindo com o Yamandú, o Hamilton de Holanda e o Romero Lubambo. Me deram um prêmio, cara. Mas o que eu busco é mais projeção da música instrumental. Não na grande mídia, mas em alguma mídia. É tudo muito manipulado. Parece que só há um caminho, a música de sucesso. Tem um público que busca, mas ainda é muito restrito. O que sinto e o que eu busco é uma projeção maior para o músico brasileiro. É o que eu almejo aos meus 72 anos, um público mais aberto à música instrumental. 

Meu trabalho mais novo é essa parceria com o Eric, que junta as coisas novas que ele faz com as minhas. O Eric é um grande guitarrista, um músico maravilhoso, criativo, com uma sonoridade muito bonita e que faz essa ligação com a música do mundo.

EM – Engraçado, você usou o termo “música do mundo” duas vezes nessa entrevista. E a minha ideia desde o começo é usá-lo no meu próximo livro de entrevistas. E vou te falar que eu acordei hoje de manhã e não sabia que iria entrevistar o Armandinho Macedo. As coisas acontecem assim. 

AM – Viu Eugênio, essa parte que eu falo sobre o Hamilton de Holanda é poque realmente quero que isso se esclareça. É como se fossem filhos meus, a guitarra baiana. O Dodô e o Osmar pariram e eu criei a criança. Fui eu quem projetou, quem gravou, fui o profissional da música que meu pai não foi, mas ele me preparou para isso. Então tenho isso como um filho, botar uma quinta corda, nasceu da minha busca. Tenho interesse que se fale. Que se lembre. Até na Bahia tem gente que não considera que Dodô e Osmar não inventaram a guitarra maciça, tem gente no mundo que diz que Santos Dumont não inventou o avião. Já temos esse histórico do não reconhecimento. Esse reconhecimento é legal. As coisas que você desenvolveu, as coisas que você faz.